COLECCIÓN PERMANENTE
Itinerario recomendado
Paul Gauguin
París, Francia, 1848-Atuona, Islas Marquesas, 1903
1888
Óleo sobre lienzo, 74 x 92 cm
Aportación de la Diputación Foral de Bizkaia en 1920
Lavanderas en Arlés fue pintado en esa localidad francesa, a donde Gauguin acudió a finales de 1888 reclamado por Vincent van Gogh, que pretendía crear un grupo artístico. La obra recoge el interés del pintor en esa época por el predominio de la expresión sobre la representación formal, que supuso su ruptura definitiva con el impresionismo. Este ideario, para el que Gauguin acuñó el término "sintetismo", se caracterizó por la representación no mimética de la naturaleza, por el rechazo a la perspectiva mediante el abandono de la tercera dimensión procedente de la estampa japonesa y por la separación del color en planos amplios y contrastados mediante una línea oscura. Elementos sobresalientes del cuadro son la abstracción del fondo, la impresión de movimiento, el encuadre fotográfico que recorta algunos elementos, las formas planas de contornos oscuros y las zonas de color puro. La distorsión de las figuras y su hieratismo muestran la influencia de la tosca estatuaria de piedra de las iglesias bretonas. Dedicado tardíamente a la pintura, Gauguin lideró en las últimas décadas del siglo XIX la trasformación de los postulados impresionistas en formas de expresión más subjetivas. Su lenguaje artístico estuvo determinado por sus viajes a Pont-Aven o Arlés, y, principalmente, a los mares del Sur. La intensidad de los colores y la luz de la Polinesia, así como la estrecha relación entre la sociedad indígena y la naturaleza impresionaron al artista, de forma que los parajes exóticos y las creencias primitivas de Bretaña y Tahití, junto con la expresividad pictórica de su amigo Van Gogh, se convirtieron en los referentes para materializar sus ideas, que plasmó también en grabados, cerámicas y, en sus últimos años en la isla de Hiva-Oa, esculturas. [J.N.G.]

Además de su colección permanente, el Museo de Bilbao propone regularmente un importante programa de exposiciones temporales.
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Sala BBK
07|06|10 • 05|09|10
Desde la prehistoria hasta el mundo romano, la figura del toro ha ocupado un lugar destacado en la cultura y el arte de las civilizaciones mediterráneas, que han reflejado su imagen en mitos, ceremonias rituales, juegos y fiestas. El Renacimiento recogió también esa iconografía, sobre todo en torno a los mitos del Minotauro y del Rapto de Europa. A partir del siglo XVI el arte reflejó también el interés por las manifestaciones de la tauromaquia, y desde entonces algunos de los mayores creadores de los siglos XVIII, XIX y XX han tratado los modernos juegos taurinos, en los que resuena el antiguo culto a la fuerza vital y una mirada directa a la muerte.
El origen de esta exposición está en la conmemoración del centenario del club taurino Cocherito de Bilbao y su objetivo es mostrar la complejidad con la que el arte se ha acercado a la figura del toro, a partir de su importancia religiosa en las civilizaciones primitivas y de su poder generador de mitos y manifestaciones zoolátricas, de juegos ceremoniales y sacrificios en las civilizaciones mediterráneas de la Antigüedad. Desde entonces y hasta el medioevo las cacerías de toros, y su participación en los circos romanos y en rituales nupciales de fecundidad desarrollaron una relación con el hombre que acabó adquiriendo un carácter lúdico que paulatinamente se fue convirtiendo en la lidia codificada que hoy conocemos.
La exposición Taurus. Del mito al ritual, producida por el Museo de Bellas Artes de Bilbao, pretende ser la primera gran muestra dedicada a mostrar y analizar la trascendencia cultural de la figura del toro a lo largo de la Historia del Arte. Para ello reúne más de 200 obras –pinturas, esculturas, obra sobre papel y artes aplicadas–, desde valiosas piezas arqueológicas, como una terracota fechada hacia 1200 a. C. de origen iraní, dos ánforas griegas de los siglos VI y V a. C. prestadas por el British Museum de Londres o un fresco pompeyano del siglo I a. C. del Museo Arqueológico de Nápoles, hasta pinturas de Goya, Zuloaga, Gutiérrez Solana, Picasso, Miró, Equipo Crónica o Barceló, y las series completas de estampas de la tauromaquia de Carnicero, Goya y Picasso, entre otras muchas, prestadas por medio centenar de museos y colecciones internacionales.
Está dividida en dos grandes secciones: “El mito y los mitos del toro” y “El ritual de la fiesta”, esta última, a su vez, ordenada en seis apartados en torno al desarrollo de la tauromaquia: los orígenes, los lugares, los personajes, la lidia, la tragedia y la gloria, y las imágenes de después de la fiesta. Va acompañada de un catálogo con textos de Carlos Moya, Pedro Romero de Solís, José María Blázquez, William Jeffett, Virginia Albarrán, Jesús Urrea, Álvaro Martínez-Novillo, Alfonso Carlos Saiz Valdivielso, Brigitte Leal y Araceli Guillaume-Alonso.
En la imagen:
José Gutierrez Solana (Madrid, 1886-1945)
Las señoritas toreras, c. 1931
Óleo sobre lienzo. 162 x 210 cm
Centro Pompidou, París. Musée national d'art moderne, Centre de création industrielle.
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